Battre le fer tant qu'il est chaud. L'art des forgerons africains

-



«Striking Iron : l'art des forgerons africains» ouvrira ses portes au Musée national d'art africain du Smithsonian le 27 février 2019. L'exposition, organisée par le Fowler Museum à UCLA, révèle les histoires d'invention et de sophistication technique qui ont conduit les forgerons africains transformer l'une des ressources naturelles les plus fondamentales de la Terre en objets d'une utilité, d'une autonomisation, d'un prestige, d'un talent artistique et d'un pouvoir spirituel qui changent la vie. L'exposition présente plus de 225 œuvres d'art, comprenant des lames et des monnaies de formes et de tailles multiples, des sculptures en bois parsemées de fer, des instruments de musique et des ornements corporels élaborés. «Striking Iron» se fermera le 20 octobre 2019, puis se rendra au musée du quai Branly-Jacques Chirac à Paris (novembre 2019 - mars 2020).



 
L’âge du fer a révolutionné l’Afrique et altéré à jamais la civilisation humaine de façon pratique et symbolique. Les technologies de fonderie et de forgeage du fer, qui ont probablement commencé sur le continent africain il y a environ 2 500 ans, ont été recherchées et protégées avec ardeur. Leur contrôle pourrait promouvoir l'ambition d'un roi, augmenter la fortune d'un soldat et assurer le bien-être d'une communauté. Les outils et les armes en fer ont permis aux Africains de chercher, chasser et labourer le sol, assurant prospérité et protection.


 
La majorité des objets de «Striking Iron» datent des 19e et 20e siècles et sont tirés de la vaste collection de Fowler ou empruntés à 49 collections publiques et privées américaines et européennes. Des œuvres ont été sélectionnées pour mettre en valeur la virtuosité des forgerons et présenter la manière dont les objets en fer forgé exploitent les pouvoirs des mondes naturel et spirituel. assurer prestige, statut et endurance; aider avec les défis de la vie et les transitions; et d'améliorer l'efficacité d'actes sacrés tels que la vénération des ancêtres, la guérison, la fertilité et la prophétie. Le travail et la participation des forgerons à la vie de la communauté continuent d'être indispensables aujourd'hui.


 
«Nous sommes ravis de partager" Striking Iron "avec nos visiteurs au Musée national de l'art africain", a déclaré Gus Casely-Hayford, directeur du Musée national de l'art africain. «Nulle part ailleurs dans le monde, il existe des formes de fer forgé plus diverses et plus abouties qu’en Afrique, et« Striking Iron »est le traitement le plus complet des arts du forgeron en Afrique à ce jour.  



L’exposition, soutenue par une bourse exceptionnelle, constitue un tour de force pour la présentation d’œuvres d’une grande beauté esthétique et d’un savoir-faire technique exceptionnel. Il s'agit d'une expérience visuelle unique en son genre qui séduira un public de tout âge et de tout intérêt. "


 
«Il y a beaucoup d'histoires à raconter dans« Striking Iron », et chacune apporte le respect et l'admiration à l'œuvre ancestrale et même divine de fondre et de forger du fer en Afrique», a déclaré Marla C. Berns, directrice de Shirley & Ralph Shapiro. au musée Fowler et co-commissaire de l'exposition. «L'ambition de 'Striking Iron' réside dans sa portée - avec des œuvres diverses de plus de 100 groupes ethniques vivant dans 19 pays, principalement au sud du Sahara - et en montrant comment, par leur maîtrise, les forgerons ont investi une grande importance et un sens culturels. dans les objets qu'ils fabriquent. "








Photos via le Los Angeles Times et LACMA on Fire 

Striking Iron : The Art of African Blacksmiths
Smithsonian - National Museum of African Art (Washington)
du 27 février au 20 octobre 2019

Commentaires

  1. D Furtif20 février 2019 à 13:15

    L'Afrique est le continent de mon ignorance.
    La culture Ife
    .
    Un site au hasard

    RépondreSupprimer
    Réponses
    1. Lavigue20 février 2019 à 14:38

      C'est ignorance que nous partageons !
      Mais, j'en pratique beaucoup d'autres avec assiduité...

      Supprimer

Enregistrer un commentaire

Posts les plus consultés de ce blog

Emergence et influence du nu sur l'art de la Renaissance

-
Image
Allegory of Fortune , about 1530, Dosso Dossi (Giovanni di Niccolò de Lutero) oil on canvas. The J. Paul Getty Museum. S'inspirant de la sculpture classique et de l'étude du modèle vivant, les artistes de la Renaissance ont placé le nu au cœur de leur art, en créant des représentations réalistes, vibrantes et variées du corps humain. Ce moment de transformation est celui qui façonnerait le cours de l’histoire de l’art européenne et résonnerait jusqu’à nos jours. « The Renaissance Nude » retrace la montée du nu au cours d'un siècle avec des chefs-d'œuvre réalisés en Italie, en France, en Allemagne et aux Pays-Bas à partir du début du XVe siècle jusqu'au début du 16ème siècle. The Renaissance Nude Royal Academy of Arts - Londres Jusqu'au 2 juin 2019
LA SUITE - MORE »

Persée et Andromède

-
Image
Jean-Baptiste Regnault - Le retour d'Andromède - 1782 Huile sur toile - Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg Persée arriva en Éthiopie, où régnait Céphée, et il découvrit qu'Andromède, la fille du roi, avait été exposée pour devenir la proie d'un monstre marin. Car Cassiopée, l'épouse de Céphée, avait osé défier les Néréides dans un concours de beauté, en se vantant d'être plus belle qu'elles toutes. Les Néréides s'étaient offensées, et Poséidon se mit en colère : il envoya une inondation pour dévaster tout le territoire, et aussi un monstre marin. Ammon avait alors donné sa réponse : la seule façon de faire cesser ce fléau était de livrer Andromède, la fille de Cassiopée, en pâture au monstre. Céphée, sous la pression de ses sujets Éthiopiens, obéit : il enchaîna la jeune fille à un rocher. Quand Persée l'aperçut, il tomba immédiatement amoureux d'elle, et il promi
LA SUITE - MORE »

Salle 432 - Picasso à l'Ermitage

-
Image
Pablo Picasso - La danse aux voiles (Nu à la draperie) - 1907 (Collection Chtchoukine) Même si le Musée de l'Ermitage fait preuve d'une pudeur de gazelle et n'indique pas la provenance des tableaux, au moins les choses sont simples. A l'exception d'un dessin offert par Picasso au danseur Leonide Massine et de 3 céramiques des années 50, toutes les Picasso du musée de l'Ermitage proviennent de la collection Chtchoukine . C'est l'un des avantages des saisies révolutionnaires. Ça évite la dispersion et de fastidieuses recherches bibliographiques !  Quoique... En 1930, puis en 1948, la collection Chtchoukine a été répartie entre le Musée Pouchkine (Moscou) et le Musée de l'Ermitage (à l'époque Leningrad). Il aura fallu attendre 2016 et se rendre chez Vuitton pour l'exposition Icones de l'art moderne - La collection Chtchoukine pour profiter de l'ensemble des chefs-d'oeuvres en une seule visite.
LA SUITE - MORE »

Le néo-impressionniste Henri-Edmond Cross - Couleur et lumière

-
Image
Henri-Edmond Cross, La joyeuse baignade, 1899-1902, Privatsammlung. Courtesy Artvera's Gallery Couleur et lumière -  Le néo-impressionniste Henri-Edmond Cross 17 novembre 2018 - 17 février 2019 au Musée Barberini de Potsdam Henri-Edmond Cross (1856-1910) est considéré comme l'un des représentants les plus importants du néo-impressionnisme français. Avec son ami et collègue-artiste Paul Signac, il découvre la Côte d'Azur pour la peinture. Entre les impressionnistes autour de Claude Monet et les pionniers de l'expressionnisme autour d'Henri Matisse, son œuvre marque une étape décisive sur la voie de l'appréciation de la couleur en tant que moyen de création indépendant et donc dans le sens de l'abstraction. En Allemagne, il a été célébré tôt en tant que pionnier de la modernité. En collaboration avec le musée des impressionnismes de Giverny, le musée Barberini présente la première rétrospective consacrée à Cross dans un musée all
LA SUITE - MORE »

Le théâtre érotique de Leonor Fini

-
Image
L'art de Fini désarme l'autorité masculine et dissout les normes de genre, avec des hommes nus, délicats et assistés par des femmes léonines somptueusement vêtues. Leonor Fini in 1934; unidentified photographer, contemporary print (© Estate of Leonor Fini, image courtesy Estate of Leonor Fini) Vers la fin de sa vie, le peintre, designer et citoyenne du demi-monde Leonor Fini (1907–1996) a déclaré à un intervieweur: " Dans toute créativité, il y a un élément de révolte ". L’équipe de conservateurs derrière  Leonor Fini: Theatre of Desire, 1930–1990  au Museum of Sex de New York adopte une approche sans faille pour montrer sa révolte personnelle à travers une panoplie de 35 peintures et 22 dessins, ainsi que des extraits de films et des photographies relatives à Fini, des articles de magazine et d'autres projets. Ils ont même inclus des flacons de parfum conçus par Fini et une armoire, ce qui prouve qu'être révolutionnaire ne signifie pas que vous
LA SUITE - MORE »

Chaval - Le misanthrope qui trouvait que les oiseaux étaient cons

-
Image
Yvan Francis LE LOUARN, dit CHAVAL (1915-1968) "- Soutiens Georges ! ..." Estampe, signée dans la planche en bas à droite. Chaval (Yvan-Francis Le Louarn, 1915-1968)  est mort il y a déjà cinquante ans. Je ne vais pas utiliser le poncif habituel " ses dessins n'ont pas pris une ride ", mais il y a beaucoup de ça. Il faut remonter à 2008 et l' exposition controversée de Bordeaux  (note 1) pour trouver Chaval en tête d'affiche. Dans ce billet, il ne s'agit que d'un lot de dessins originaux qui sont passés dans une vente aux enchères.
LA SUITE - MORE »